寒假人力资源实习报告范文

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——、2010年，波兰当选总统布罗尼斯瓦夫科莫罗夫斯基在波兰议会大厦举行的国民议会(参众两院联席会议)宣誓就职。

1997年出生于河南省平顶山市，就读于中央戏剧学院表演系。2014年主演电影《北京爱情故事》，入围第21届北京大学生电影节最佳新人奖。2015年凭借电影《唐人街探案》获得第20届华鼎奖中国最佳新人奖。刘浩然对自己的虎牙也很满意，总能看到他的笑脸。

10月1日上午，被关在监狱里的拉波拉多说，他需要看牙医。“看病”是个很好的理由。即使是监狱也无权阻止她这么做，而且因为牙医的日程已经排满了，她可以提前很久就知道日程安排。

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1959年3月26日，65岁的梅兰芳加入了中国共产党。

2007年，钟丽淇认识了中意混血的IT人才，两人的恋情很快被媒体曝光。他们只是公开了他们的爱情，很快就住在了一起。

9月17日下午2点，艺评网[艺术大师公益课]微信直播再次开讲，此次艺术大师公益课邀请到当代知名艺术家，艺术教育专家余润德老师作为公益课的线上直播嘉宾，讲座采访漫谈的方式，围绕“艺术市场现状与艺术嬗变中创作语境及价值分析”的主题展开，此微信直播吸引了来自职业艺术家、爱好者、从业人员等领域上万名听众参与了此次社群直播。艺评网艺术大师公益课，邀请国内知名艺术家、艺术教育家及为行业做出特殊贡献的企业家，是一种参与的社群式知识普及直播的专业高端公益课，开播以来一致受到行业好评。关于目前的艺术市场对当代艺术的反应，余润德老师表示，当代艺术是来源于西方，西方对当代主义出现了关键性影响的两个人物，赛商，杜尚。他们两个人的思想在西方一起并行着影响着艺术家的创作，和对艺术的定义。重新解构和追问艺术的本源，成了西方艺术一直前进的方向。而中国艺术受到中国传统的文化影响，大多是意像之外的东西，因此艺术家面对西方涌来的当代艺术，一开始是不了解，和不融合的，包括一些收藏企业家也是一样。所以国内市场对新兴的当代艺术，是比较反感、反应迟钝的。但是从国外的艺术发展历史来看，艺术本身就不应该只是局限于架上绘画等单一的形式，随着时代的变迁，社会性质的变化，艺术作为文化主体的一部分，本身就会自觉的打破自身的形态，求得新的形态的发展。因此现在装置，影像，或者是本身对艺术命题的思考，也成为了当代艺术的一部分，虽然国内还在不断的消化这种艺术形式，但是当代艺术不断的发展是历史结果的必然趋势。关于当代艺术嬗变中创作语境及价值分析，余润德老师以两个关于以美国911事件为主题的艺术作品生动的解析了其中创作语境并进行了其价值分析。一个是徐冰老师的著名装置作品《本来无一物，何处惹尘埃》, 他用在双塔与中国城之间的地带收集了一包9.11的灰尘,将尘埃吹到展厅中，经过24小时落定后，展厅的地面上，由灰白色的粉尘显示出两行中国七世纪的禅语：“本来无一物，何处惹尘埃”。展厅被一层像霜一样均匀且薄的粉尘覆盖，有宁静、肃穆之美，但这宁静给人一种很深的剌痛与紧张之感;哪怕是一阵轻风吹过，“现状”都会改变。余润德老师非常喜欢这个作品，是因为作品与观众达到相互的融合,将911的那种悲伤情绪通过静默的尘埃空间的体现，一下子就呈现出来。这样的作品形式是一种比较新的创新语言方式，受到业界很高的评价。第二个也是余润德老师去纽约交流的时候看到的一个表达对911思悼装置作品，每个911遇难姓名都刻在一个小的方的物体上堆积向上，周围是两道水柱从旁边涌起而下，也不知道水流的尽头在哪里。余润德老师说，水柱流下的那一瞬间，且不知终点，体现了生命本身的一瞬间消失的危机感和不知道哪里是终点的未知感，加上遇难人的姓名，观者很容易的被带入情景之中。当代艺术中的装置作品，或许没有照片，绘画作品等方式以图像的方式表达直接，但是从2维到3维的转换，人作为一个互动体参与在场景中，此时爆发出来的现象也是无穷无尽的。在直播的最后，关于在当前艺术时代冲突的阶段，艺术家怎么平稳的度过这个时期，余润德老师也提出了他的看法。他表示，艺术家不仅需要勤奋的行动，更要勤奋的思考。现在中国作为一个重要的力量开始活跃在国际的艺术界，对艺术家们本身充满的挑战和机遇。艺术家们不能只停留在技术上的创作，还要不断观念上的创新，余润德老师说，从杜尚在马桶上签上自己名字，定义为一个艺术品的时候，艺术不仅仅只停留在传统的层面了，艺术不断的被打破和构建也就形成了艺术的本身，艺术家们应该尝试多元的创作形态，将观念上艺术创作，体现在自己的创作手法上，才是未来艺术的一条正路，而那些主题内容同质化的艺术创作将很难有突破。据悉，艺评网将持续邀请艺术行业的大师、专家进行常态化公益授课，积极利用互联网的工具来推动艺术知识分享，让更多人与艺术大师、专业人员进行思维层面的互动，加深社会大众对艺术的认知。余润德介绍：当代知名艺术家，艺术教育专家。中西方美术研究院院长、人民大学艺术学院特聘教授、清美艺术创作研究会会长、文化部中国社会艺术协会顾问、常务理事、厦门大学艺术学院特聘教授、中国新水墨画院导师、国家质检总局《艺术品鉴证》杂志编委会副主任、保利国际拍卖艺术顾问、中国艺交所顾问、国家一级艺术品鉴定师、原文化部艺术评估委员会委员。

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AlexandraDaddario，欧美90后著名超级女星，有一双惊艳的电眼，让人过目不忘！3月8日，我参加了某杂志的年度女性盛典。现场精美的照片让人看到了这位神奇女明星的魅力。

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2014年总共策划实现了12个展览，回顾这一年的展览，其实是围绕着三个关键词展开的。展览累加的过程中，可能没有清晰的规划，在发起展览或(选择判断之后)承接展览以及所引发的讨论形成了“语言?主体?历史”三个子问题群，并潜在地起到了支配作用。个人看来，这三个问题其实是中国当代艺术界迫切需要面对的。一、语言“语言”一直是中国当代艺术遭遇质疑的核心问题之一。“85美术新潮”时期的艺术家在吸纳借鉴的同时，作品了多了“现代主义”的影子。“政治波普”可以在前苏联艺术家的创作中发现类似风格。里希特的“平涂技法”在21世纪初到2008年成为诸多中国油画家优先选择的图像处理方法。更妄论装置作品的有意抄袭，或者无意撞车。中国当代艺术借用西方当代艺术通用艺术形式进行创作的同时，中国当代艺术的语言特征到底是什么?这是西方学术界经常诘问，也是中国当代艺术界频频反思的问题。这个看似“天问”的问题，其实具体化为西方艺术家面对中国古典油画、写实雕塑时表现更为具体——“你们还做这些一百多前的东西，到底要做什么呢?”回答这个问题并不难，也给出了各种版本的答案，问题的关键在于，这一传承脉络上的语言推进，在全球平面化的时下，中西艺术家几乎在同一个平台上竞技，中国艺术家现在已经可以做出标准化的当代艺术作品。但这种标准化的作品有没有问题?标准化能否就回避“语言”问题?刚刚开幕的香港巴塞尔博览会被吐槽，尽管有恶搞的成分，但没有合理的因素吗?基于这样的考虑，去年我策划的几个展览都试图展现中国当代艺术在语言层面所表现出的特质，或者叫做推进。最集中的展览是《第三种批判：艺术语言的批判性》(北京时代美术馆，2014年10月18日—11月4日)这个展览聚集了陈若冰、崔岫闻、刘韡、刘小东、李松松、蒋志、卢征远、马秋莎、邱志杰、任戬、隋建国、谭平、王光乐、王璜生、王华祥、徐冰、徐龙森、萧昱、于凡、杨心广、张培力、展望22位艺术家，凸显他们在艺术语言上的探索路径以及成果，并对中国当代艺术中的“前卫立场”、“题材批判”两种批判形式进行了美术史梳理。这些艺术家“身体”多样化的、特有的身体介入方式决定了他们的艺术语言的特质。在去除结果，关注过程，凸显时间流程，关注身体与物质的特有关系方面，他们的确在语言层面向前推进。与之相辅助的展览还有《形无形VisibleinvisibleIII》(北京鸿坤美术馆，2014年9月20日—10月26日)，《中国抽象艺术案例展》(北京德山艺术空间，2014年8月30日—11月20日)。前者推出青年艺术家的抽象作品，后者分为“物色”、“底线”、“体悟”三个单元，分时段进行展览，共有谭平、朱金石、马树青、王光乐、陈若冰等19位艺术家参展。策划这些展览，其实是在多年的当代艺术作品解读中，发现了一种特质，而这种特质内化于作品的语言之中，揉入了艺术家在传承传统、面对西方、现实遭遇中的真实体验。从这个层面上来讲，中国作为世界政治、经济、文化最“热闹”的区域，艺术界真正出现了链接现实的事实。这一“现实”或者被叫做“混杂的现代性”，或者叫做“镜像的西方”，亦或者叫做“传统的半真空带”。2014年12月26日，《四个人展出四张画的理由——‘四方工作室’艺术家语言的嬗变》在北京798圣之艺术中心开幕。这是2014年我策划的最后一个展览，“四方工作室”苏新平、谭平、王华祥、周吉荣四位艺术家每人展出一件近作，这一展览把文献梳理、作品在展场进行了有机结合，从而梳理这四位版画专业(石版、铜版、木刻、丝网)出身的17年的语言探索历程，也是给出了一个更具体的研究版本。二、主体自文艺复兴以来，“艺术家”这个称呼开始在欧洲获得独立身份，经历过现代主义的“艺术英雄”阶段，“艺术家”获得更加自由的空间，强调“艺术自律”的现代主义艺术史无疑慢慢将这些艺术家奉上了神坛。从尼采说“上帝死了”之后，艺术家在某种程度上侵占了神坛的一角。尽管在中世纪以及以前，他们更多是为神坛服务的奴婢。自古以来，中国的职业“画家”、“雕塑家”(或者统称为“职业艺术家”)从来没有很高的社会地位。只是更多文人介入绘画，才使其地位得以抬升，但是他们身份的真正获得是在20世纪。西方的社会分层机制影响了中国，“艺术家”逐渐成为一个可以与“读书人”(20世纪分化的一支被称为“知识分子”)平起平坐的社会角色。这是我们谈论“艺术家”的历史语境。当我们说“艺术家”，我们在说什么?说的是哪个类型的艺术家?我想很多人反映出的是现代主义的“艺术英雄”们，梵高、塞尚、高更、毕加索、马蒂斯……中国与之对应的林风眠、庞薰琹、关良、常玉、潘玉良、赵无极、吴冠中……杜尚颠覆了现代主义的艺术自律模式之后，我们怎么看艺术家呢?随之而来的社会文化史的研究方法更是从各种角度指点出这些“艺术英雄”与社会的更深层的关联性。杜尚之后又出现了博伊斯，随后的安迪?沃霍尔、杰夫?昆斯、村上隆，接连颠覆“艺术”和“非艺术”的界限，于是有艺术史学惊呼：“艺术死亡了”!这一得到发展的艺术史脉络以共时性的方式在中国纷纷登场，各有一批拥戴者。中国当代艺术以其“批判性”、“介入性”、“问题针对性”为其主要基点，其实和康有为、陈独秀、徐悲鸿及其学生等等有更多的潜在的关联性。上述两个貌似对立的艺术史阐释模式无时不在影响着中国艺术家。在潮流的激荡中，在现今的政治、经济、文化语境的笼罩下，很少有青年人能成为时代的“冲浪者”。技术难以对付情景的时候，做一两声尖叫，或许能引来更多的关注，这也就是“戾场”的由来。纵观这十几年的中国当代艺术，多少青年艺术家采用这样的方式，并策略性地充当“事件艺术家”?当短暂的浪花平息之时，发现自己只是一个尴尬的裸奔哥?不“立”何来“场”?中国当代艺术的转型期是否已经到来?包括我在内的所有人可能都只感觉到一个朦胧的意象。但基于对自我主体的塑造与深入挖掘、对社会问题更细致关注的心态已经出现，这不能不让人惊喜。“从戾场到立场”与其说是一个判断，不如说是一份期盼。抛出这个问题本身可能会引来更多的警觉，这份警觉不仅对艺术创作有益，对批评行为、策展活动、当代艺术史的书写可能都有所价值?中国当代艺术在依仗、展现、塑造何种主体性?在对“主体”问题的思考下，2014年策展的第一个展览《当我们说艺术家的时候，我们在说什么?——罗苇个展》(北京草场地AmyLi画廊，2014年6月15日—7月27日)开幕。随后，和胡斌、鲁明军合作策展《旋构塔——2014中国艺术家推介展》(北京时代美术馆，2014年7月12日—7月31日)。三位策展人围绕青年艺术家的主体问题各自提出了子问题，我提出的问题是“从戾场到立场”，并组织学者、诗人西川、吴琼参与讨论。在2014年持续推进，最终于武汉华侨城实现的《新视觉艺术节：透视之眼——东湖2014青年雕塑家邀请展》开幕式上，年青一代的雕塑家也就这一问题提出了自己的看法。他们已经不满足于简单对抗的艺术家存在状态，而表现出更多的参与意识，合作意识，进入具体公共空间的有所作为，提高大众审美能力的期盼。三、历史历史在时下以各种变体存在，并发挥作用，现实绝非当下事件的简单组合，它有或长或短的脉络连向过去，注入当下。并夹杂着人们对未来的各种期待、预设、判断——类似一个锈迹斑斑、边缘参差不齐的剪刀，将预测者的目光剪断，或助长，或消弱人们的热情。每个人的选择既决定于历史的惯性，也取决于未来对现在的渗透。或许没有一个时代比现在人们看“历史”的视角更加多元化。其背后是内忧外患的历史困境;中西、古今的时空锉刀;传统失联、信仰真空而导致的价值错乱;西方各种理论体系在中国的鱼贯而入，而对其理论所针对问题的无视;主流意识形态理论框架对特定阶段历史事实的有意或无意遮蔽等等。2014年的策展工作并没有围绕更宏观的历史进行，有两个展览与中央美术学院学术传统有关，一个是《凝铸的温度——中国第二代雕塑家司徒杰》(中央美术学院美术馆，2014年8月5日—9月10日)，一个是《谢东明个展2004—2014》(中央美术学院美术馆，2014年5月31日—6月30日)。20世纪20年代到1937年抗日战争全面爆发，乃至1949年之前，“中国第一代雕塑家”陆续回国。他们基于个人创作和展览以及教学活动和研究活动，将“现代雕塑”引入中国。他们中有江小鹣、李金发、王静远、刘开渠、曾竹韶、滕白也、岳仑、潘玉良、梁竹亭、王临乙、郑可、王石之、张充仁、程曼叔、周轻鼎、萧传玖、滑田友、王子云、廖新学等40多位雕塑家。在他们的教学活动中，逐渐培养出“中国第二代雕塑家”，比如王朝闻、傅天仇、司徒杰、卢鸿基等。“中国第二代雕塑家”是民国雕塑教育培养出来的精英，1949年后，大多进入高校等美术机构，他们成为衔接民国、新中国雕塑教育的重要一环。司徒杰先生就是其中一位重要的雕塑家、教育家。这一展览将司徒杰先生作为“中国第二代雕塑家”的代表人物进行展览，就是要在20世纪雕塑史研究的相对薄弱领域，以个体艺术家展览的方式进行更为深入的梳理，重新审视20世纪中国现代雕塑的发展历程，并展现这代雕塑家与之前、随后几代雕塑家的承继关系。从而将20世纪雕塑研究向更为深入的层面拓展。展览共分为三个单元：第一单元：纪年与纪念——时代碑影;第二单元：民间与民鉴——抟土塑人;第三单元：新火与薪火——世纪传承。《谢东明个展2004—2014》则是梳理中央美院油画系代表中年画家谢东明的近10年的创作历程。中央美术学院一直是谢东明学习、工作、创作的所在，他所处的氛围不但滋养了他，他也是构建这一个学院氛围的重要元素。从他留校带的第一届学生刘小东、喻红，到N12的宋坤、仇晓飞，谢东明手下出了很多出色的学生，并都形成自己特有的油画语言。师生、同事之间的直接交流一直是美院的特有传统。朱乃正先生与陈丹青的神交，靳尚谊先生对徐冰素描《大卫》的肯定，90年初中年批评家对“新生代画家”的推出，都是这样的例子。美院这样的例子很多，因为这里有很多毒辣的眼睛，穿越风格与流派的隔阂，发现可能的基因。“眼睛”的背后是他们多年养成的素养，这里面凝聚着一种品质。谢东明与许多学生的交流，可能非许多局外人所设想的那样“学院与当代”泾渭分明，而更多是“传承与转化”水到渠成。在和他的几位学生的聊天中，这一判断被屡屡证明。2014年已然过去，2015年的策展工作已经开始。2015年3月21日，《四个人展出四张画的理由——‘四方工作室’艺术家语言的嬗变》巡回到深圳展出，接下来，巡展工作会继续进行。2015年已经确定的几个展览除了会继续围绕以上三个问题，会重新开启几个新的线索，比如《灵》展览，会从新的角度探索“主体建构”的可能性，并为强调“意义明确”的当代艺术界提供新的维度。酝酿已久的“素人作品展览”(题目未定)，会发掘艺术作品形成的源头问题，并对标准化的“艺术家”的身份问题提出建构性意见。

8.罗韩